抽象繪畫的創作是純粹、自我且自由的，不著重在客觀的現實，而著重在主觀的情感，情感是藉由形式表達而呈現的，雖然抽象繪畫是無拘無束的，但若是以畫面上的美感分析，還是需要滿足一些原則性，而面對抒情抽象（熱抽象）畫時，我所關注的重點有以下幾點： （一）色彩要能融合 關於藝術家的抽象繪畫中，色彩是相當重要，且能夠表達個人創作特點的，也就是我時常談論的「配色系統」，指的就是每位藝術家特殊的喜好配色，自成一格並且有著自身的喜好與品味，顏色與顏色之間的互相襯托、互相依靠，有時候是很主觀的，當然他可以透過教育及品味培養，在不同的時代中產生符合時代下的美感，因為不同色彩之間的互配關係，就如同彼此相異的音符組織成和弦的情況，色彩的配適無論是對比或相近色，只要能夠產生有感覺的和弦，就是成功的色彩融合，而成功的達成彷若音樂和弦般的配色效果，就能夠產生視覺上的配色和諧感。 （二）畫面聚焦的地方 繪畫是一種與眼球有關的活動，觀看畫作時眼球會隨著畫面的線索而產生內心的好奇，使得我們的心裡會追尋著畫面的舞動效果來進行欣賞，即使是一個最純粹空靈的單色域畫面，也會透露出藝術家傳達出來的精神，透過筆刷的運行，我們想像著藝術家創作時的情緒，透過色彩堆疊的意識，我們也許感受到雅緻、激昂、沉穩或喧囂的氛圍呈現，色彩塊面的交接處，有不同的處理方法，想要強硬壓迫又或是漸層融合，這些都是探討邊緣問題的課題，種種的繪畫形式有個大前提，即是如何透過畫面效果，來影響我們的眼球與心理，無論是寫實抑或抽象，這種視覺上的影響定律，就像是繪畫中的物理定律般，有著原則性並且可以透過研究來發掘。 一個讓人只能發散卻無法聚焦，甚至無法吸引人耐心觀看的作品，是沒有影響力的，聚焦並非是將畫面豐富的填滿，或是造成反差就可以達到，有時候過多的畫面效果也是會形成一種干擾，要思考如何透過畫面的經營推敲，傳達出創作的精神性；畫作中的媒材也許會與技術性相連結，並且透過畫面的視覺材料與技術性經營，來傳達出畫面的美感形式，這一切的連結性都會影響到創作者是否可以準確的，在畫面中傳達出精神內涵，因此畫面有些聚焦的地方，不僅可以有主賓之分，也更能清楚地傳達出作品的意蘊內涵。 （三）顏色不能髒到沒個性 此所謂的髒並非就是顏色灰暗，而是不當的混色造成明度與彩度不和諧，色彩的選擇並非就一定是互補配色法，也可能是相似色配色法、無彩配色法、單色配色法，配色比重就如同數學與構圖上的比例般，需要美感的營造，無論是何種配色法，還是需要考慮到色彩給予人的感受或意義。 有些初期嘗試抽象繪畫的創作者，因為不熟悉媒材的特性，因此在濕上濕的混色時，因為失誤而造成顏色混濁，這種混雜的濁色若不能成為一種個性，則畫作就失去了味道，抽象繪畫創作時因為沒有對象物的再現，所以很容易受到自我奔放的情感，而失去了用色精準度的掌握，抽象繪畫需在激情感受與熟練技法之間，取得平衡並詮釋個人風格。 （四）底蘊與力度 許多的抒情抽象是講究作品底蘊的厚度，這類型的作品很需要在畫面上呈現出力道，甚至是透過畫面傳遞出的質感，來表現一種文化內涵，並透過藝術家本身富含的藝術涵養，讓作品有種深層的力量；而所謂的力道可能是透過作品精神傳達出的，也可能是運筆技法所產生的速度感，或應用技術與形式造成的醒目感，甚至是畫面經營上的配色與構圖概念，所呈現出的對比度。 有底蘊的抽象作品能夠賦予作品氣質，並且可以細心品味又持久耐看，沒有底蘊的抽象作品，即使乍看之下醒目炫彩，卻難以深入探尋，抽象繪畫是透過最基本的美學元素來傳達藝術家的情感與精神，若是沒有底蘊，則恐怕淪為形式表演；有力度的抽象作品，無論是配色、技法、構圖或造型，都會吸引我們的注意，讓我們得以專注的聚焦於畫面上的安排。 （五）構圖的美感與多樣性 抽象繪畫的構圖美感，是與線條和造型有關的，線條的律動感無論是粗細、運行方向、流暢度或是速度感，都與空間產生互動；而造型上無論是「有機形狀」（Organic Shapes）或是「幾何形狀」（Geometric Shapes），不同的造型變化，會牽連我們的感受變化，透過線條或色塊產生的造型，也成為了構圖中的一部分，彼此相互的依存，且扮演著美感上的供給。 抽象繪畫同時也是需要觀察脈絡的，由於抽象繪畫的創作特性，很容易讓長期進行抽象創作的人，養成按照章法的創作模式，即是透過排列組合的創作思維，長期地依賴過去的舊作，而進行舊作的重新詮釋，雖然重要的作品可視為創作上的火種，但複製自我作品的創作模式，很容易在構圖上產生重複，並且容易只追求單一性的美感，缺乏了藝術創作的多樣性。 （六）技法的多元性 前述小節敘述過不同的技法，就如同交響樂中不同演奏者的詮釋風格，而指揮家若是能在整場的音樂演奏中，讓所有的樂手互相合作、彼此陪襯，則多元又繽紛的交響樂則會是一場非常精彩的演奏，除了顏料厚薄的處理、線條與造型的表達、速度快慢的效果、筆觸節奏的變化、不同工具與媒材的交互作用、色彩效果的變化、流動性與凝結性的對比、畫面空間與結構的經營、氣質與作品內涵營造⋯⋯，還要考慮到作品是否能夠證明自我的才氣，並且創作出具有開放性與突破性的作品，畢竟不在創作上去進行實驗的藝術家，同時也會喪失了風格突破的機會，而囚禁了自我的創作。 有些創作者太依賴於全自動或半自動性技法，或太偏重特殊工具，使得工具效果佔比太重或過度炫技，這同樣會使得創作的獨特性與技法多元性受限，其實透過水拓、滴流、暈染、滾壓等技法，來進行美感形式的營造並非原罪，但若是太依賴或鍾情於單一技法，則很容易讓創作形式無法突破，並且由於自動性技法每個人做起來的效果都差不多，因而喪失了畫面的獨特性。 （七）畫面正空間與負空間的處理 抽象繪畫雖然不再現，但並不是就沒有透視的概念，雖然不似寫實繪畫的光學研究，但基於美感的追求，抽象繪畫也重視空間的處理，說的具體一點，抽象繪畫是藉由寫實中的透視研究，而發現空間關係對於視覺上的影響；平面繪畫如同雕塑一般，有著正空間與負空間的存在，正負空間的關係正如同主賓之分的關係，這不僅在寫實繪畫中存有，在抽象繪畫中也同樣重要。 一般而言抽象繪畫中，畫面經營細緻、集中與精彩的部分，往往是平面繪畫中的正空間，但觀賞畫作時並非是僅有正空間，就能表現出作品的全貌，負空間也是扮演著陪襯與通氣的構圖需求，畫面中如果正、負空間都同樣豐富精彩，則構圖過滿，也無疏密關係，特別是在一些講究東方精神的抽象繪畫中，要追求空靈感的畫面，就必須掌握正、負空間唇齒依存的關係，中國繪畫中講究的「計白當黑，虛實相生」，不僅是談色彩的陪襯，同時也在談空間性的陪襯。 文章出處：《畫廊主帶您進入藝術圈：鑑賞．從業．創作．收藏》